Malarstwo pejzażowe powstało w sztuce rosyjskiej znacznie później niż portret i zdjęcie historyczne. Dopiero w ostatnim ćwierćwieczu XVIII wieku wśród artystów rosyjskich wyróżniła się grupa mistrzów, dla których obraz przyrody stał się główną specjalnością. W niezwykle krótkim okresie, nieprzekraczającym dwóch lub trzech dekad, malarstwo pejzażowe w Rosji osiągnęło wysoki poziom artystyczny i zajęło należne mu miejsce wśród innych gatunków sztuki.
Godne uwagi jest to, że realistyczne trendy pojawiły się z wielką siłą w pierwszym pokoleniu rosyjskich malarzy krajobrazu. Ale na wczesnym etapie rozwoju malarstwa pejzażowego, pod koniec XVIII wieku, pragnienie prawdziwie odtworzenia przyrody było wciąż ograniczone przez cały system konwencjonalnych technik i reguł, które sięgają ogólnych zasad sztuki klasycyzmu. Obraz natury był dozwolony przez klasyczną estetykę tylko w formie „historycznego” lub dekoracyjnego krajobrazu, a zadaniem artysty było nie tyle odtworzenie rzeczywistości, ile jej idealizacja.
Krajobraz nie został namalowany z życia, ale za pomocą wstępnych szkiców „skomponował” się w warsztacie, arbitralnie grupując szereg motywów graficznych – góry, wodospady, gaje, ruiny itp., Podlegających dekoracyjnemu zadaniu.
Na podstawie klasycznych projektów opracowano schemat konstruowania krajobrazu, który sprowadzał się do następujących elementów: sam widok był zwykle przedstawiany w głębi, w tle, a bliskie plany były budowane jak sceny teatralne, jak gdyby kadrowanie obrazu; przestrzeń była wyraźnie podzielona na trzy równoległe płaszczyzny, z których pierwsza była oznaczona brązem, druga zielona i trzecia, najdalsza, niebieska; przejścia z jednego planu do drugiego zostały nakreślone za pomocą perspektywy liniowej, wycinającej obiekty, które stały się kamieniami milowymi w konstrukcji głębi przestrzennej. Żywe wrażenia z natury miały na celu przestrzeganie tego schematu, a realistyczne aspiracje rosyjskich artystów znalazły wyjście tylko w prawdziwym odtworzeniu szczegółów i szczegółów krajobrazu z ogólną konwencją obrazu jako całości.
Pierwsze kroki w kierunku wyzwolenia malarstwa pejzażowego z konwencjonalnych schematów dokonały na przełomie XVIII i XIX wieku artyści M. Ivanov i F. Alekseev. Zakończenie ich pracy przypadło wybitnemu malarzowi Sylwestrowi Shchedrinowi, który w latach dwudziestych XIX wieku podniósł rosyjskie malarstwo pejzażowe na niespotykane dotąd wysokości. Shchedrin zdał szkołę akademicką pod bezpośrednim nadzorem M. Iwanowa iw jego młodzieńczych latach doświadczył silnego wpływu malarstwa F. Alekseewa.
Wczesna praca Shchedrina, wciąż opierająca się na tradycji klasycznej, odzwierciedlała przesunięcia w kierunku realizmu, które charakteryzują malarstwo pejzażowe jego poprzedników. Już w pierwszych dniach swojej działalności artystycznej wycofał się z „skomponowanych” krajobrazów i zwrócił się ku bezpośredniemu odtworzeniu prawdziwej natury. Ale dopiero w latach 20. XIX wieku, po głębokiej przerwie twórczej,
W celu poprawy swojej specjalności Shchedrin w 1818 r. Został wysłany do Włoch jako emeryt Akademii Sztuk Pięknych. Rzym był w tych latach uważany za światowe centrum sztuki. Artyści, zwłaszcza pejzażyści, przybyli tu z całej Europy. Przyciągała ich wspaniała przeszłość Włoch, jej wielka sztuka i urzekająca przyroda.
Tutaj możesz spotkać przedstawicieli wszystkich trendów scenicznych i szkół. W pstrokatym wówczas środowisku artystycznym Rzymu, w atmosferze międzynarodowej rywalizacji, intensywnych poszukiwań obrazkowych, intensywnej walki między nowym i starym; reakcyjne podstawy klasyki stanęły w obliczu zaawansowanych trendów romantyzmu, wyłaniającego się realizmu w przeciwieństwie do tradycyjnych form sztuki. W tym wyzwaniu Shchedrin, nasycony sprzecznościami, zdołał zachować niezależność i narodową tożsamość swojej pracy.
Shchedrin natychmiast zajął ważne miejsce w rzymskiej kolonii artystów.
Szybko zdobył uznanie w najszerszym kręgu publiczności artystycznej. Tylko nieliczni mogą konkurować z nim w sile talentu i poziomu umiejętności. Nauczyciele – w dosłownym tego słowa znaczeniu – nie znaleźli ani w starszym pokoleniu, ani wśród rówieśników.
Ale bliski kontakt z nowymi trendami w malarstwie krajobrazowym był owocny dla Shchedrina. Chętnie wchłaniał obfite i różnorodne wrażenia artystyczne, a wymagające ich krytyczne przetworzenie posłużyło jako potężny impuls do rozwoju jego twórczości. Wraz z najlepszymi twórcami krajobrazu tamtych czasów dążył do prawdziwego przeniesienia natury, żywiołowej spontaniczności jej postrzegania, studiowania jej w naturze, ale aby osiągnąć te cele, poszedł własną, oryginalną drogą.
Opanowując realistyczną metodę obrazu, Shchedrin odszedł od jednostki, Analizowane analitycznie szczegóły krajobrazu do nowego obrazowego uogólnienia. Skontrastował dekoracyjną konwencjonalność akademickich krajobrazów z nienagannie dokładną reprodukcją materialnej obiektywności świata.
Zajrzał do Koloseum i ruin starego Rzymu, gdy portretowy malarz zagląda w twarz osoby, którą przedstawia. Już to pokonanie dekoracyjności stanowiło decydujący krok na drodze do realizmu. Jeszcze bardziej owocne i znaczące były zmiany w podejściu do samej rzeczywistości, w treści i interpretacji obrazu przyrody. Obraz „Stary Rzym” był w gruncie rzeczy ostatnim dziełem napisanym przez Shchedrina z myślą o starym akademickim sposobie.
Ze starożytnych wspomnień zwrócił się do żywej nowoczesności, aw następnym, w 1825 r., Napisał obraz „Nowy Rzym”, który stał się jakby programem dalszych poszukiwań artystycznych. Od teraz Shchedrin nie jest już przyciągany przez wielkość przeszłości, nie przez surowe piękno klasycznych ruin, ale przez poezję rzeczywistości, urok natury,
Tradycyjny wizerunek Rzymu jako „wiecznego miasta”, miejsca narodzin słynnych zabytków sztuki i świadka dawnej świetności wielkich ludzi, ustępuje miejsca nowemu wizerunkowi – obrazowi współczesnego Rzymu i jego zwykłego, dzisiejszego życia, z łodziami rybackimi na Tybrze i żywymi grupami obywateli na pierwszym planie zdjęcia. Pokonawszy tradycję „heroicznego krajobrazu” i rozumienia natury opracowanego przez Akademię Sztuki jako pretekst do historycznych wspomnień, zwracając się ku żywej, współczesnej rzeczywistości i prawdziwej naturze, Shchedrin pokonał także konwencjonalny akademicki schemat artystycznego rozwiązania tematu krajobrazu. Nowa treść obrazu doprowadziła do nowej formy obrazkowej. „Nowy Rzym” oznacza punkt zwrotny w rozwoju pracy Shchedrina.
Od połowy lat 20. zaczyna się okres największego rozkwitu jego talentu.
Wszystko, co najcenniejsze w jego dziedzictwie, powstaje właśnie w tych latach. Dwa miasta zostały napisane przez Sylwestra Shchedrina we Włoszech: Rzym i Neapol. Włoskie życie jest w nich zawarte zarówno jako najlepsze, główny czas istnienia artysty, jak i jego własny temat w sztuce. Pejzaże Rzymu to wprowadzenie do historii, do wysokiej tradycji artystycznej, do pejzaży Neapolu – wprowadzenie do prawdziwego życia, różnorodne, niedbałe i lekkomyślne. „Nowy Rzym” nie jest malowniczą ilustracją historii świata, ale nowoczesne miasto jest piękne, ponieważ naturalnie łączy wielką przeszłość i teraźniejszość z całą jej codziennością. Miasto, które ma swoje wyjątkowe życie, w którym ludzie i ich mieszkania, wody Tybru i łodzie na brzegu, arkady mostu i masy zamku, chmury na niebie i kopuła katedry stanowią jedną całość.
Petra daleko.
W malarstwie wszystko to wyraża jedność iluminacji i tonalna jedność koloru. Według jego współczesnych „ta praca była w Rzymie tak przyjemna, że wielu jej chciało ją mieć. Artysta… musiał powtórzyć to spojrzenie osiem razy, ale kochająca sztuka i natura, nie chciał być kopistą własnej pracy. Za każdym razem, gdy zmieniał powietrze i ton zdjęcia i tym samym wyprodukowano osiem obrazów, jeden i ten sam rodzaj reprezentowania, równie oryginalnych. „
(1 votes, average: 5,00 out of 5)