Obraz Leonarda da Vinci “Mona Lisa” lub “Gioconda”. Rozmiar zdjęcia to 77 x 53 cm, drewno, olej. Około 1503 r. Leonardo rozpoczął pracę nad portretem Mony Lisy, żony bogatego florentyńczyka Francesco Giocondo.
Ta praca, znana zwykłym ludziom pod nazwą “Gioconda”, została entuzjastycznie oceniona przez współczesnych.
Sława obrazu była tak wielka, że wokół niego powstały późniejsze legendy. Poświęca się ogromnej literaturze, z których większość jest daleka od obiektywnej oceny stworzenia Leonarda. Trzeba przyznać, że ta praca, jako jeden z niewielu zabytków sztuki światowej, ma naprawdę ogromną atrakcyjną moc.
Ale ta cecha obrazu nie jest związana z ucieleśnieniem tajemniczego początku ani z innymi podobnymi wytworami, ale zrodziła się z jego niesamowitej artystycznej głębi.
Portret Leonarda da Vinci “Mona Lisa” – to decydujący krok w kierunku rozwoju renesansowej sztuki portretowej. Choć artyści z Quattrocento pozostawili po sobie wiele znaczących dzieł tego gatunku, to jednak ich osiągnięcia w portrecie były, że tak powiem, nieproporcjonalne do osiągnięć w głównych gatunkach malarskich – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretu była już widoczna w “ikonografii” obrazów portretowych.
Rzeczywiste prace portretowe z XV wieku, ze wszystkimi ich niekwestionowanymi podobieństwami fizjognomicznymi i emanującym z nich uczuciem siły wewnętrznej, wyróżniły się również sztywnością zewnętrzną i wewnętrzną. Całe bogactwo ludzkich uczuć i doświadczeń, które charakteryzują biblijne i mitologiczne obrazy malarzy XV wieku, zwykle nie było własnością ich portretów. Echa tego można zobaczyć we wcześniejszych portretach Leonarda da Vinci, stworzonych przez niego w młodości w Mediolanie.
Jest to “Portret damy z gronostajem”, przedstawiający Cecilię Gallearani, ukochaną Lodovico Moro i portret muzyka.
W porównaniu z nimi portret Mony Lisy jest postrzegany jako rezultat gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy w jego znaczeniu stał się na tym samym poziomie co najbardziej żywe obrazy innych gatunków obrazkowych. Mona Lisa jest reprezentowana siedząca na krześle na tle krajobrazu, a już samo zestawienie jej postaci, która jest bardzo blisko widza, jest widoczne z daleka, jakby z ogromnej góry, krajobraz mówi obrazowi niezwykłą wielkość.
Kontrast ze zwiększoną plastyczną namacalnością sylwetki i jej gładką, uogólnioną sylwetką z odległym mglistym krajobrazem, podobnym do wizji krajobrazu z dziwacznymi klifami i kanałami wodnymi wijącymi się między nimi, przyczynia się do tego wrażenia. Ale przede wszystkim przyciąga się wygląd samej Mony Lisy – jej niezwykły wygląd, jakby nieodłącznie obserwowała widza, promieniującego umysłem i wolą oraz ledwo wyczuwalnym uśmiechem,
Niewiele jest w światowej sztuce portretów, co odpowiada obrazowi “Mona Lisa” siłą ekspresji osoby ludzkiej, ucieleśnionej w jedności charakteru i inteligencji. To niezwykły ładunek intelektualny portretu Leonarda odróżnia go od portretów Quattrocento. Ta cecha jego postrzegania była tym ostrzejsza, że odnosi się do kobiecego portretu, w którym charakter modelu ujawnił się wcześniej w zupełnie innej, głównie lirycznej, figuratywnej tonalności.
Uczucie siły pochodzące z obrazu Mona Lisy jest organicznym połączeniem wewnętrznego opanowania i poczucia osobistej wolności, duchowej harmonii osoby opartej na jego świadomości własnego znaczenia. Sam jej uśmiech nie wyraża wyższości ani zaniedbania; jest postrzegana jako rezultat spokojnej pewności siebie i pełnej samokontroli. Ale obraz Mona Lisa uosabia nie tylko racjonalny początek – jego obraz jest pełen wysokiej poezji, którą odczuwamy zarówno w jej nieuchwytnym uśmiechu, jak iw tajemnicy pół-fantastycznego krajobrazu rozwijającego się za nim. Współcześni podziwiali uderzające podobieństwo i niezwykłą witalność portretu artystki.
Ale jego znaczenie jest znacznie szersze: wielki malarz Leonardo da Vinci był w stanie przedstawić obraz tego stopnia uogólnienia, co pozwala uznać go za obraz człowieka renesansowego w ogóle. Poczucie uogólnienia znajduje odzwierciedlenie we wszystkich elementach malarskiego języka malarstwa, w jego indywidualnych motywach – w tym, jak lekka przezroczysta zasłona, pokrywająca głowę i ramiona Mony Lisy, łączy starannie napisane pasma włosów i małe fałdy sukienki w ogólny gładki kontur; to uczucie nie jest w żaden sposób porównywalne z delikatną miękkością stylizacji twarzy i pięknymi eleganckimi rękami. To modelowanie wywołuje tak silne wrażenie żywej fizyczności, że Vasari napisał, że puls bije w pogłębieniu szyi Mony Lisy. łączy starannie narysowane pasma włosów i małe fałdy sukienki w ogólny gładki kontur; to uczucie nie jest w żaden sposób porównywalne z delikatną miękkością stylizacji twarzy i pięknymi eleganckimi rękami.
To modelowanie wywołuje tak silne wrażenie żywej fizyczności, że Vasari napisał, że puls bije w pogłębieniu szyi Mony Lisy. łączy starannie narysowane pasma włosów i małe fałdy sukienki w ogólny gładki kontur; to uczucie nie jest w żaden sposób porównywalne z delikatną miękkością stylizacji twarzy i pięknymi eleganckimi rękami. To modelowanie wywołuje tak silne wrażenie żywej fizyczności, że Vasari napisał, że puls bije w pogłębieniu szyi Mony Lisy.
Jednym ze sposobów na tak subtelny niuans plastyczny był charakterystyczny “Sfumato” Leonarda – subtelna mgiełka otaczająca twarz i figurę, łagodząca kontury i cienie. Leonardo da Vinci zaleca, aby w tym celu umieścić “rodzaj mgły” między źródłem światła a ciałami, jak to ujął. Prymat modelowania odcięcia jest również odczuwalny w kolorystyce podporządkowanego mu obrazu.
Podobnie jak wiele innych dzieł Leonarda da Vinci, obraz ten od czasu do czasu ściemniał, a jego proporcje kolorów nieco się zmieniły, ale nawet teraz przemyślane porównania w kolorach goździka i odzieży oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym “podwodnym” tonem krajobrazu są wyraźnie postrzegane.