W pierwszej połowie XVIII wieku. Rozwój sztuki angielskiej jest bardzo kontrowersyjny. Na tle ogromnej liczby bezimiennych naśladowców pracujących w gatunku portretów paradnych można wyróżnić tylko niewielką liczbę prawdziwych mistrzów.
Wśród nich należy wymienić przede wszystkim imię Williama Hogartha, który słusznie uważa się za założyciela krajowej szkoły angielskiej.
Warto zacząć od tego, że Hogarth jest jednym z pierwszych w brytyjskim malarstwie, na którego płótnach nie ożywają sceny biblijne, nie pełne symbolicznych etiud, ale codzienne angielskie życie – takie, jakie naprawdę jest, bez ozdób, wypełnione radosnymi i tragicznymi wydarzeniami. Apel o pochodzenie narodowe wynikał z faktu, że artysta chciał uchwycić współczesne społeczeństwo, czyli społeczeństwo, którego częścią jest widz.
Rozpoczynając karierę jako ilustrator książek, Hogarth często obserwował, jak miejscowi kolekcjonerzy chętniej kupują obrazy włoskich lub holenderskich mistrzów i marzyli, że kiedyś rodzima sztuka będzie nie mniej pożądana. A teraz, po kilku latach, Hogarth podejmuje pierwsze kroki w kierunku formowania narodowych tradycji angielskich w ramach sztuk pięknych w swoim rodzinnym kraju.
Ale wciąż musiał odpowiedzieć na najważniejsze pytanie: dlaczego potrzebujemy sztuki? Przyszłość wszystkich jego przedsięwzięć zależała od odpowiedzi. A Hogarth znajduje właściwą odpowiedź. Dla niego sztuka jest zwierciadłem życia codziennego, w którym ujawniają się pewne prawdy. Innymi słowy, artysta w swoich płótnach wyraża idee dotyczące ofiar śmiertelnych i użyteczności cnót.
Sceny domowe – wizualne potwierdzenie. W obrazach Hogartha widz obserwuje, do czego prowadzi występek i jak cnota okazuje się zbawienna, dlaczego jedna osoba kończy swoje życie w biedzie, a druga w pokoju i dobrobycie.
W malarstwie Hogarth działa według zasady teatralnej. Łamie jedną fabułę na kilka aktów, każda akcja rozgrywa się na osobnym płótnie. Następnie obrazy, połączone jedną ideą, artysta umieszcza w serii, a cała historia jednego lub drugiego występku rozwija się przed widzem. Hogarth stworzył kilka takich serii: “prostytutki kariery”, “mota kariery” itp. Życie pojawia się pod pędzlem Hogartha w całej brzydkiej prawdzie, a wada jest całkowicie odsłonięta.
Najbardziej znanym z serii stworzonej przez artystę jest “Kariera Mota” i jej ostatni akord – “Moth in Bedlam”. Obraz jest jednym z najpotężniejszych dzieł Hogartha w ramach kierunku sztuki, który stara się obiektywnie pokazać życie w całej jego tragedii. Moth umiera w Bedlam – schronienie dla szalonych.
Stracił rozum, stracił kondycję, stracił wszystko. Nikt obok niego i tych, których uhonorował dla swoich przyjaciół, a tylko jedna osoba szczerze opłakuje jego śmierć – dziewczynę, którą ćma odeszła.
Następnie Hogarth koncentruje się na płótnie wszelkiego rodzaju szaleństwem. W tle widz widzi religijnego fanatyka, człowieka, który stracił rozum z powodu złudzeń wielkości. Inny szaleniec rysuje na ścianie jakąś mapę, podczas gdy ślepiec patrzy przez rurkę teleskopu.
Trzy postacie na schodach są również symboliczne – uśmiechnięty skrzypek, piosenkarz w czapce idioty i mężczyzna nieśmiało patrzący w bok. Cała akcja rozgrywa się w towarzystwie żałosnych komentarzy krasnoluda i drwiących spojrzeń świeckich piękności, które znały ćmę w poprzednim życiu. A to wszystko jest życiem, jednym z wielu jego przejawów.
A tego wszystkiego można było uniknąć, gdyby mot nie sprzedał duszy wady.
Hogarth jest doskonałym gawędziarzem. Jednak modyfikacja obrazu nie cierpi. Kompozycja odgrywa tutaj dużą rolę.
Artysta umieścił główną grupę ludzi na pierwszym planie, dokonując wyboru na rzecz ukośnej budowy przestrzeni.
Hogarth zawsze był przekonany, że gładkie linie są lepsze od linii prostych lub łamanych. Ideologiczne akcenty umieszczane są poprzez grę światła; z ogólnego ciemnego tła malarz porywa postacie ćmy, opłakując swoją dziewczynę i dwie panie. Życie jest reprezentowane w samej istocie – tragiczne zderzenie ludzkiego dramatu i bezwzględność społeczeństwa.